» 02-03-2011

FOTOGRAFÍA Y VÍDEO II

J. L. Brea en “Las tres eras de la imagen” Analiza también la fotografía. La imagen ha pasado por tres eras: la imagen-materia (imagen encarnada. Pintura, escultura artes clásicas) , la imagen-film (fotografía, cine) y la e-imagen (imágenes en pantalla. Internet, video-juegos, GPS, etc.) correspondientes a tres tipos de memoria: ROM, REM, RAM, y con las características de: única, reproducible e ilimitada. Ser, devenir y Dios. En particular la fotografía (considerada una película de un solo fotograma), como perteneciente a la imagen film, posee estas características: El sujeto que capta la imagen es un ojo técnico que capta todo lo que ve, que no tendrá el poder de la memoria, ni la forma de devenir sujeto, ni el poder de operar la representación característicos de la imagen materia. Entre la pantalla pura de la e-imagen y la materia sólida de la imagen-materia, la fotografía expande su tiempo interno narrativo en su propio espacio de la representación. Inaugura un nuevo modo de producción superando la producción escasa anterior: la reproducibilidad, en una nueva economía de la distribución (mero usufructo sin propiedad), proponiendo una nueva recepción masiva y dando lugar a la industria de la cultura.. “La fotografía no es imagen estática, sino imagen situada en el tiempo, señalada y señalando al tiempo, imagen temporizada, nunca atemporal” “La fotografía... se hace testigo del instante... pero para registrarlo como tiempo y memoria, en efecto, de la duración” Retomando la distinción deleuziana entre imagen-movimiento e imagen-tiempo, aplica la primera a la imagen-film. “Para (la imagen-movimiento) el tiempo viene dado, es puesto por la maquinaria, por los dispositivos de arrastre y obturación -de cámara y proyector-” El mundo del arte reaccionará de dos maneras: desmarcándose de la tecnificación (negándole la categoría de arte) y reconduciéndose hacia la institucionalización (el museo). La fotografía tomará frente a esto, alguna de estas alternativas: Reclamar su estatuto de obra de arte (imagen-materia). Asumirse como cine de corto metraje y por último aceptar la condena de Baudelaire de “práctica instrumental asistenta, realizando en ella su modesta y auténtica condición: la de ser el envío, indicio, huella del acontecimiento y no práctica de representación. Ni mucho menos arte” Lipovetsky y Serroy en “La cultura-mundo” concretan: la cultura mundo se caracteriza “ en primer lugar por el fin del antagonismo de cultura y economía, en segundo por la hipertrofia de la esfera cultural, en tercero por su absorción por el orden comercial”. “La cultura-mundo describe el sistema económico-cultural del hipercapitalismo globalizado” Frente al arte autónomo de las vanguardias, individualista y transgresor la Escuela de Frankfurt define “la industria cultural” correspondiente a obras reproducibles destinadas al gran consumo. Cultura industrial transmitida por el cine, la radio, el disco y el televisor, producida, no por una élite, sino por todo el mundo, en todas partes. “Lo que inventan las industrias no es más que una cultura transformada en artículos de consumo de masas”. “La cultura de masas crea productos radicalmente efímeros, hechos para no durar” Distinguen entre la cultura-pantalla 1 (fotografía, telégrafo, teléfono, disco, radio, televisión) que transmite a un conjunto indiferenciado de individuos, contenidos idénticos que se reciben simultáneamente y la cultura-pantalla 2 (Ordenador, internet, móviles 3G, tabletas, video libros, GPS. etc) comunicación horizontal de “todos hacia todos”, relación cada vez más individualizada y personalizada. Un poco de historia La historia de la fotografía es la historia de su evolución técnica y por tanto de sus posibilidades de reproducción. Tras las primeras experiencias sobre planchas metálicas únicas (daguerrotipos) 1939 marca la liberalización de la patente por el estado francés y la invención del negativo (de papel encerado) por Fox Talbot (y por tanto de la posibilidad de reproducción). Los inventos se suceden: Colodión sobre negativo de vidrio (1855); Gran angular (1854); diafragma (1860); Gelatina-bromuro (1871); negativo en rollo (1888); La cámaras populares (1923); diapositiva (1935); Color y flash (1942); Polaroid (1947); Polaroid en color (1963); digital en soporte magnético (1996). Paralelamente a la técnica, la fotografía evoluciona como práctica y como concepto. Hasta 1853 se produce la época de los maestros primitivos, Con Disdéri empiaza la época de los comerciantes (la industria). La fotografía de guerra se inicia en la guerra de secesión americana (1861). Hacia 1890 se inicia el pictorialismo o impresionismo en un giro hacia el arte y la obra única. La primera galería se abre en 1902. Paralelamente a las vanguardias Man Ray y Moholi Nagi inician la experimentación, y el foto periodismo (foto espontánea o foto-live) se inicia en 1925. La fotografía no opera como operó la pintura. Ambas se desarrollan al paso de la técnica pero, para la pintura la técnica está acabada en el Renacimiento y dedica trescientos años a desarrollar su propio concepto sobre el objeto: perspectiva, fondo-figura, claro-oscuro, trampantojo, antes de alcanzar la subjetividad: impresionismo, expresionismo y vanguardias. A partir de los sesenta el objeto de reflexión deja de ser el objeto o el sujeto para centrarse en el propio arte. Todo en un proceso de deconstrucción en el que se acaba con todos los conceptos laboriosamente adquiridos: el artista como genio y como ejecutante, la obra como material noble, el arte alto y el arte bajo, el museo como historia, el coleccionista como noble refinado, el crítico como independiente y la obra como ajena al comercio. La fotografía empieza (1939) cuando empieza la industrialización, pero también cuando empieza la bohemia (ese proletariado intelectual). Su desarrollo es tan técnico que algunos fotógrafos (Talbot, Le Gray) fueron científicos... y ese desarrollo todavía no se ha acabado. La reproductibilidad técnica le confiere unas características que la despegan de la pintura y del arte y lo acercan a la industria. La no intervención del “artista” en el proceso de captación la distingue del arte hasta la llegada del minimalismo. Nace al servicio de la burguesía y se pliega constantemente a sus deseos. Pero preguntarse si la fotografía (un procedimiento) es arte, es como preguntarse si es arte el procedimiento de la pintura al óleo. Si lo utiliza un artista es arte y si no, no. Y hubo muchos y muy grandes artistas de la fotografía. El desprecio que sintió el arte por la fotografía es subsidiario del concepto de mimesis. El arte captaba la realidad y la fotografía mucho más, más rápidamente y de forma mecánica. Pero el concepto de mimesis como base del arte no iba a durar mucho. Todo arte es abstracto (abstrae de la realidad lo que el contexto histórico, cultural y técnico -además de la intención del artista- dictamina en cada época). El arte naturalista no existe y la fotografía naturalista tampoco. Es difícil creer que algo tan real y tan vívido como una fotografía no responda a la realidad, pero antes de acudir a los retoques (el photoshop de hoy) la fotografía manipuló carismas, escenas, situaciones y portes. La fotografía engaña y si lo hace... no es real. Por tanto la fotografía era arte, y en cuanto tal vamos a repasar, someramente, su desarrollo. La fotografía nace como arte. No de otra manera se podía considerar las piezas únicas que constituían los daguerrotipos. Con el negativo de papel encerado y las copias en papel “salado” se inicia la reproductibilidad. Los primeros fotógrafos venían del mundo del arte o del artesanado (Hill y Le Gray eran pintores, Nadar venía de la bohemia) y entendieron la nueva técnica como otra forma de hacer arte. Su campo fue el retrato que tenía una historia de vulgarizacion de ochenta años con diversas técnicas (miniatura, silueta, fisionotrazo). Cuando Disdéri revienta los precios con el negativo de vidrio y el colodión, Le Gray se retira al paisajismo y los comerciantes toman el nuevo negocio. Las largas exposiciones que necesitaban las fotografías producían varios efectos. En primer lugar el halo debido a los pequeños movimientos del modelo; en segundo lugar las fotos era “poses” no se podía captar el instante sino la gravedad y la imposta. En tercer lugar las fotografías necesitaban una parafernalia para ayudar a la inmovilidad: columna, silla, palmera, etc. parafernalia que devendría icónica. Por último las ópticas no facilitaban la tarea de vencer a lo oscuro. Pronto se introducen las fotos de cuerpo entero e incluso se hacen en gran formato. Sería Disdéri quien reduciría el formato al popularizarla. Los avances en óptica (nuevos objetivos), negativos (colodión seco) y papel (albúmina), habían vencido completamente lo oscuro “hasta perfilar las imágenes como un espejo. Sin embargo, a partir de 1880 los fotógrafos situaban su cometido, más bien, en simular el aura por medio de todos los artificios del retoque...” y en simular penumbras crepusculares. Se imitaba la fotografía primitiva dando la espalda a los adelantos técnicos. En 1890, influenciada por el impresionismo en pintura, la fotografía inicia un pictorialismo o impresionismo con profusión del uso del retoque (de negativos) inventado por Hampfstängl y mostrado por primera vez en 1885. El retoque no tiene equivalente en pintura (en la que todo o nada es retoque. Más bien todo). El retoque doblega la cámara para que se avenga a las exigencias del fotógrafo (o el cliente) originando la fotografía “creativa”. Benjamin entiende por fotografía creativa, la fotografía como arte (desligada de cometidos sociales, científicos o políticos), el espíritu superando la mecánica, reinterpretando sus resultados, sometida a la moda, cuyo verdadero rostro es el anuncio. En contraposición a esta fotografía creativa (encantadora y sugestiva) se desarrolla una fotografía constructiva (didáctica y experimental), bien representada por el constructivismo ruso. El pictorialismo con su atmósfera pesada, su imagen difusa y la “creación” (fabricación) de situaciones y atmósferas, durará hasta 1916 en que dará paso al modernismo funcionalista y al formalismo. En 1905 Stieglitz (1864-1946) abre la galería “291” a la que había precedido en 1902 la revista Camara work y la fundación del grupo “Photo-secession”, que reunió a los más importantes representantes del pictorialismo americano. Será Paul Stand quien en 1916 efectúe la transición hacia el modernismo. Weston será el gran formalista. Alget (1857-1927) se dedica a la fotografía por libre, tras abandonar su carrera de actor. Hacia 1900 “emancipó al objeto del aura”, al acercar la lejanía y reproducir lo irrepetible “Él fue el primero en desinfectar la sofocante atmósfera extendida por el convencionalismo de los retratos fotográficos”. “buscó lo desaparecido y lo extraviado”, el detalle. Imágenes vacías de gente y vacías de atmósfera. “Todo lo intimo desaparece en favor de la iluminación del detalle”. Renuncia a lo humano. La figura ha sido extirpada del fondo que se erige en protagonista forzado, inopinado. August Sander (1876-1964) fue el encargado de reponer esa figura que ha abandonado su fondo. Pero no se repone como figura, sino como parte del fondo. En su retorno la figura ha perdido su preeminencia y se integra en plano de igualdad con el fondo. La distinción fondo-figura ha muerto. No son retratos porque dichas figuras no merecen ser retratadas. El criterio representativo cede en favor de un criterio científico. Son tipos sociológicos. Es la obra de un observador sin prejuicios, audaz pero también delicado. A principios de S XX se originan las vanguardias cuyo influjo no dejaría de sentirse sobre la fotografía. Man Ray (1890-1976) con sus célebres solarizaciones y Moholy-Nagy (1895-1946) con sus photoplastiks, experimentan con nuevas técnicas y con innovadoras propuestas. Un renovado uso de los efectos de luz y sombra les conduce a resultados completamente abstractos. Aunque el fotomontaje se había iniciado por Heartfield en 1890, es a partir de 1920 que tanto éste como Rodchenko (1891-1956), Moholy-Nagy y los dadaistas lo utilizan con profusión. Rodchenko iniciaría también el camino de los puntos de vista inusuales. En 1919 se funda la Bauhause en cuyo departamento de fotografía coincidirán: Moholy-Nagy, El Lissitsky (1890-1941) y Herber Bayer. Su filosofía: “la función crea la forma” empapará su trabajo. El movimiento moderno que arrasa en arquitectura se introduce en fotografía con sus premisas de claridad, simplicidad, funcionalismo, espontaneidad. A partir de 1920, Heartfield usa exclusivamente la foto para desenmascarar el carácter reaccionario de la clase en el poder. Se denomina a sí mismo “montador”. Cada imagen posee su propio significado, pero al yuxtaponerlas, se crea un nuevo significado de conjunto. La foto se vuelve un arma temible en la lucha de clases. El surrealismo será el movimiento del arte que calará más fuerte en la fotografía. Man Ray será el maestro de este aspecto de la fotografía “creativa” que yuxtapone imágenes oníricas, imposibles o sorprendentes. Sontag dictaminará que toda fotografía es surrealista puesto acecha lo extraordinario (lo monstruoso), pretende, en definitiva, desvelar esos otros mundos que están en este. Pero los seguidores del movimiento surrealista practicaron una fotografía “creativa” que los alejó del surrealismo de, por ejemplo, Diane Arbus En 1925 Solomon introducirá la foto ingenua, espontánea o foto-live. Solomon acaba con la pose e introduce el “naturalismo” gestual gracias a cámaras pequeñas y silenciosas (pero no sólo gracias a eso). Asimismo se adentro en la fotografía secreta (fotografías de los famosos en su vida cotidiana). De ahí a introducirse en la vida privada (y vetada) de los famosos solo mediaba un paso que dió Kurt Korff con sus fotos ultrasecretas, aunque para ello tuviera que recurrir al fotomontaje. Como acaba esta tendencia ya lo sabemos. En torno a Solomon se agrupan diversos fotógrafos free-lance que conservan el control de sus fotografías en una incipiente primera agencia de fotógrafos. En 1928 aparece en Francia “Vu” la primera revista que se ilustra con reportajes fotográficos. En 1936, cuando Franco decide salvar a la parte buena de España, de la otra parte, aparece LIFE en USA la revista que marcará el camino de todas las revistas ilustradas con reportajes fotográficos. Sólo sucumbirá ante el empuje de la TV en 1972. En 1947 Capa funda la agencia Magnum. Pretendía, bajo la forma de cooperativa, acercar la verdad a los ciudadanos. Dice Sontag (en su libro “sobre la fotografía”) que en fotografía no hay escuelas, que cada gran fotógrafo no tiene seguidores. Aquí hemos esbozado unas pautas: primitivos, pictorialistas, surrealiastas, funcionalistas, formalistas. Poco más se puede añadir a la historia de la fotografía clásica, que no sean nombres como Evans, Arbus, Avedon, etc. La fotografía se codea con el arte a principios de los ochenta con la aparición del apropiacionismo en el que Sherrie Lavine fotografía fotografías de otros fotógrafos firmándolas. La obra reproducible se convierte en obra única. Los conceptos de autor (muerto según Barthes), mercado y obra se tambalean. ob-art Marzo 2011




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