La crisis nos ha traído una politización de los ciudadanos como nunca había ocurrido. En primer lugar la proliferación de programas de denuncia política en TV (En radio hace tiempo que habitan las tertulias de opinión). En segundo lugar la movilización de los ciudadanos contra las medidas del (de los) gobiernos. Y no menos importante la politización de las tertulias de bar en las que el sacrosanto fútbol cede una pequeña cuota a los desmanes de los políticos. Por fin las familias también se apuntan a este flujo. Los jóvenes toman conciencia de que si no intervienes en política (y no quiere decir afiliarse, sino interesarse) te encuentras con un 50% de paro, tasas universitarias elevadas, y el camino de la emigración. Por primera vez desde la transición (y por tanto desde el principio de los tiempos) la soberanía realmente empieza a residir en el pueblo. ¡Aleluya!

Leo “Satie, la subversión de la fantasía”, de Alfonso Vella. Península, 2013. Siempre me ha fascinado Satie, en música, de la misma manera que me fascinan las vanguardias en pintura y en otras artes. Muchas de las innovaciones de Satie no son tales. Ya habían sido utilizadas por otros músicos: el uso de escalas poco comunes, la atonalidad, la armonía reducida a un esquema, las disonancias, la forma que se escapa de la sonata o el lied, el uso de melodías populares y de modos olvidados. Otras son una aportación específica de su talento: la desaparición de la marca del compás, nuevas formas estructurales, la figuración en la notación, la coherencia de la obra obtenida por el ritmo o por otros medios, los nuevos timbres, el piano preparado, la repetición exacta del tema hasta el agobio. Pero nadie, absolutamente nadie, dio la espalda a cualquiera de sus hallazgos en cuanto fueron obtenidos. Satie es la innovación perpetua. Cualquier camino (por exitoso que fuera) era un camino trillado, y por tanto, superado. Esa es la tesis del libro.

Con ocasión de la exposición de Méliès en Caixaforum Barcelona, Carlos Losilla (el cultural semanal de La Vanguardia 571) realiza una reflexión sobre la exposición (divulgativa sobre el cine) y el debate sobre el cine documento y el cine magia, con estribaciones hacia el cine entretenimiento y el cine reflexión. Finalmente no resuelve. La incógnita se queda en el aire.

Los políticos está a la brega tratando de encontrar empleo. ¿Para la población? No. Para ellos mismos. Conocemos la práctica inveterada y repugnante de crear puestos de trabajo para políticos en paro (por cambio de gobierno, generalmente). Así las escalas funcionariales crecen por la parte alta mediante la creación de puestos políticos que se sitúan entre lo político y lo funcionarial (secretario del secretario, jefe de proyecto, etc.). Así se explica que aunque las escalas funcionariales están congeladas (al no reponer las vacantes que se producen), se debería esperar, razonablemente, una disminución de los funcionarios que sin embargo no se produce. Por el contrario el año pasado crecieron casi un 10%. Los políticos siguen creando empleos para sus militantes en tanto la ciudadanía se ve abocada a una disminución insoportable de puestos de trabajo.

En cine, y en videoarte, existe una comunicación entre autor y espectador. Esa comunicación se basa en ciertas convenciones (contextos) que no se pueden perder de vista. El primero es la cultura a la que pertenecemos (en nuestro caso la occidental periférica). Cultura quiere decir un abanico de convenciones en las que todos los pertenecientes a esa cultura estamos de acuerdo. Para citar un choque de culturas nuestra cultura enraizada en el ser (la esencia, lo inmutable) no puede sino chocar con la cultura oriental basada en el devenir (el trazo, el gesto, el movimiento).  Probablemente ni siquiera podemos degustar el sushi. No enumeraré, aquí, los múltiples modos de comunicar entre autor y espectador, que no dejan de ser el encuentro entre sensibilidades comunes. Pero hay uno que me parece especialmente importante: la repetición. 

Eisenstein no sólo habló de montaje (aunque en su tiempo era el tema a tratar). Hizo también agudas reflexiones sobre la estructura y la composición del filme como totalidad. En el artículo “La estructura del filme” incluido en el texto “Teoría y técnica  cinematográfica” - que venimos comentando -, realizó un análisis de este tema comparándolo con las técnicas literarias y aplicado a su obra “El acorazado Potemkim”.

“No tocar, por favor” y “Feria”. Artium, Vitoria-Gasteiz. 18 de Mayo al 02 de Octubre de 2013. La primera comisariada por Jorge Luis Marzo y la segunda realizada por Iñaki Larrimbe con un tema común visto desde dos perspectivas: el museo y el usuario. Dos visiones desde el filósofo crítico y desde el artista. Una buena ocasión para conocer la ciudad con más zonas verdes del mundo y con una gastronomía a prueba de cualquier paladar. El urbanismo confortable también existe.

Toni se había hecho popular en los foros de twiter. Sus interesantes opiniones le habían hecho merecedor del T.T. (tal como el dice) en varias ocasiones. Su posición a favor de los padres con derechos en las separaciones le hacía ver las mujeres maltratadas como ventajistas jugadoras en contra de los pobres padres ninguneados. Y eso le llevó a afirmar, apasionadamente -como el dice-, que las estadísticas eran falsas y a confundir los dineros otorgados por la UE por otras causas a subvenciones cobradas por número (hinchado, naturalmente) de mujeres golpeadas. Como su jefa Rosa Diez no es amiga del cuerpo a cuerpo con la prensa (ella sabrá por que),-ha rechazado la invitación del intermedio reiteradamente durante años- ambos decidieron que se imponía una comparecencia en la Sexta noche para dar la cara. Se pactó que sería una entrevista neutra durante 30’’ y que los twitter no aparecerían hasta que el en-canto del chico hubiera calado en la audiencia.

HELLO MR HOCK, de Jordi Bernadó. La primera parte de la pieza transcurre con la pantalla en negro recogiendo la entrevista (?) con Ms. Hock: audio y subtítulos. Videoarte sin imagen. La segunda parte muestra una serie de “cuadros” en la biblioteca de Lloret en la que las figuras posan inmóviles, componiendo escenas del estilo de la fotografía compositiva. La cámara se desplaza en largos travelling laterales barriendo el espacio.  Cine sin movimiento, ni audio. Pero movimiento forzado porque las figuras de los cuadros fingen la inmovilidad. Hay movimiento en ellas pero en potencia, acallado. El sueño del fotógrafo: acabar con el movimiento. En ese caso la primera parte sería el sueño del iconoclasta: un mundo sin imágenes, sólo voces, sólo escritura (¿Monacal?). Inmersos en un mundo audiovisual nos olvidamos de los orígenes y de los componentes. El cine tiene dos canales de imágenes visuales: las imágenes propiamente dichas y los títulos y subtítulos, y tres canales de imágenes acústicas: música, palabras y ruidos. En total, cinco canales de los que dos tienen que ver con el verbo (la palabra) y que, por tanto, participan de los dos campos del enunciado. El peso del audio (y la palabra) en la fórmula “audiovisual” es más que significativa.

Continuamos VíDEO Y TEATRO 3 entrando en el vídeoarte.

Estos tres artículos de Eisenstein contienen multitud de ideas interesantes. Empecemos por la transición del teatro al cine. Solemos pensar que el cine irrumpió en el panorama como una ruptura sangrante que arrinconó al teatro al baúl de los recuerdos. Pero, según Eisenstein no fue así. Muchas de las especialidades del cine ya estaban siendo experimentadas en aquel teatro. El germen del montaje ya estaba allí. El descubrimiento del teatro Kabuki añade nuevos indicios. El teatro Kabuki utiliza el montaje en la composición, en la actuación, en la encadenación y en los cuadros. Tal como él nos dice: puro montaje. Por lo tanto el montaje no es algo que el cine inventa sino algo que el teatro y el Kabuki, ya habían experimentado. El contacto con la cultura japonesa intriga a Eisenstein que se adentra en ella para descubrir su escritura, su dibujo, su poesía, los retratos y máscaras, incluso el caso negativo del cine. Es una cultura que le fascina y de la que extrae enseñanzas para el montaje.