En la entrega anterior desglosamos las ideas de Quintana sobre cine y arte que incluye en su libro. Se trata ahora de ver como esas ideas pueden relacionarse con el vídeoarte. La tesis de Quintana es (suponemos) que en la disyuntiva idea/realidad solo el impulso del cine por acercarse a la idea podía propiciar el encuentro de los dos campos. Ese encuentro se realiza con la aparición del cine digital, pues sus especiales y distintivas características: dispositivo ligero, cine menor, subjetivismo, intimismo, ampliación de las pantallas, nueva temporalidad, traspaso de las fronteras, ninguneo de las categorías, etc. se libran de las rigideces (figuración, narratividad) a las que siempre estuvo sometido el cine (en su decidida obsesión por la verdad y la realidad) y permiten la libertad que hace posible el acercamiento.

Leo “Después del cine” de Angel Quintana. Acantilado. 2011, análisis de la imagen y la realidad en la era digital (como reza el subtítulo). En particular nos centraremos en las relaciones entre arte y cine y las consecuencias que de ellas se puedan desprender para el videoarte. La tesis es simple. El cine sufre un proceso de hibridación entre lo real y lo representado (como imagen) y su circulación por territorios externos a la exhibición cinematográfica. Esa hibridación le conduce a una mutación en la que la ficción ha quedado desfasada, atrapada entre el documental y la vanguardia artística.

Leo ”las fábulas de lo visible” Angel Quintana. Acantilado. 2003, que trata de establecer las relaciones entre el cine y la realidad. Para ello analiza diversas teorías, autores y sus correspondientes escuelas, entre los que destacan Romher, Bazin, Passolini, el neorrealismo, la nouvelle vague, y hasta Spilberg o Cronemberg, por citar los que recuerdo. En esta entrega nos centraremos en la posmodernidad, la era de la sospecha, el cine sin huella, la realidad virtual y Spilberg.

Leo “Hacia una teoría del montaje 2” de Serge Eisenstein. Paidós. 1991 (2001), que reúne diversos escritos del director. De entre ellos comentaré: “Montaje vertical” pag. 121 en el que en una larga exposición que incluye excursos como color y música, color y emoción y una detallada exposición de como se gestó la fusión música-imágenes en “Alexander Nevski”, el director desgrana su teoría del montaje vertical (el montaje que se realiza entre la banda sonora y la banda gráfica).

Leo “Hacia una teoría del montaje 2” de Serge Eisenstein. Paidós. 1991 (2001), que reúne diversos escritos del director. De entre ellos comentaré: “Montaje vertical” pag. 121 en el que en una larga exposición que incluye excursos como color y música, color y emoción y una detallada exposición de como se gestó la fusión música-imágenes en “Alexander Nevski”, el director desgrana su teoría del montaje vertical (el montaje que se realiza entre la banda sonora y la banda gráfica).

Fue el copiloto. Tomó la decisión aprovechando que el piloto tenía que mear. Todo resuelto. ¿Todo resuelto? Se me ocurren algunas preguntas.

¿Por que se dificultó legislativamente la entrada a la cabina tras  el 11 S cuando todos los terroristas de ese atentado estaban dentro de ella? Estas medidas (tomadas para que el 11S no volviera a ocurrir) favorecen enormemente que se reproduzca. ¿Pusieron la presa en donde era fácil de construir en vez de donde era eficaz? Parece que si. Sin estas medidas el copiloto no habría podido estrellar el avión. Y ahora la gran pregunta: ¿se legisló en caliente atendiendo exclusivamente a las circunstancias del momento y no a una cabal previsión de todas las eventualidades? La respuesta es sencilla: si. Como siempre. 

Pensado como un espectáculo para niños, y programado en horario infantil, esta pieza pertenece a aquellas que son capaces de encandilar a pequeños y a mayores, exactamente lo que pretende hacer el cine familiar sin conseguirlo (Shrek, aparte). A las doce de la mañana el espectáculo tuvo poco poder de convocatoria. ¡Lastima! La media hora de la pieza (para no cansar a los incansables niños) supo a poco, pero nos da una medida del talento de AS.

En la primera entrega vimos como los políticos se lanzan sobre la carnaza del accidente aéreo para cimentar el estado de seguridad y ¿como no? su culo. Parecida, pero no igual, es la actuación de los medios que tratan de rentabilizar el espectáculo dantesco de la tragedia y los microrrelatos del dolor ajeno para salvar los números económicos de la cadena. Pero no solo ellos salvan su culo. En estas situaciones los culos a salvar son innumerable.

Finalmente el sábado se inauguró la exposición del MACBA con el siguiente parte de bajas: Preciados y Roma son cesados por Marí. Marí es cesado por el patronato. El independentismo, una vez identificados los terroristas que atentaban contra él, continúa indemne. Naturalmente se aprovechará la coyuntura para cambiar la trayectoria del MACBA (una vez más) produciéndose un giro a la derecha o quizás un giro hacia el nacionalismo que es lo que, ahora, está de moda en Barcelona. El Ayuntamiento se convierte en el patrón máximo asumiendo el 60% de los gastos, lo que lo independiza del ministerio de cultura español, de los poderes económicos (siempre alineados con el conformismo) y lo alinea con los benefactores catalanes de la burguesía. Un panorama bastante más claro de cara al independentismo. Solo nos queda una duda. ¿Qué tiene que ver el culo con las témporas?

Hace años, cuando reflexionaba sobre el miedo como motor de la humanidad, concluí que el cine era el medio de vivir el miedo como placer, de permitir que el miedo se convirtiera en una experiencia controlada, dominada, placentera. Vivir el miedo sabiendo que no era sino una experiencia amiga. En el cine se vive el miedo como algo ajeno, artificial, light. Ese pequeño derroche de adrenalina, esa excitación que nos vivifica, se podía sentir sin necesidad de ponerse en la situación angustiosa del miedo. El cine lo hacía y pasar miedo domesticado, atenuado, era una manera como otra de sentir placer. Realidad virtual.