En cine, y en videoarte, existe una comunicación entre autor y espectador. Esa comunicación se basa en ciertas convenciones (contextos) que no se pueden perder de vista. El primero es la cultura a la que pertenecemos (en nuestro caso la occidental periférica). Cultura quiere decir un abanico de convenciones en las que todos los pertenecientes a esa cultura estamos de acuerdo. Para citar un choque de culturas nuestra cultura enraizada en el ser (la esencia, lo inmutable) no puede sino chocar con la cultura oriental basada en el devenir (el trazo, el gesto, el movimiento).  Probablemente ni siquiera podemos degustar el sushi. No enumeraré, aquí, los múltiples modos de comunicar entre autor y espectador, que no dejan de ser el encuentro entre sensibilidades comunes. Pero hay uno que me parece especialmente importante: la repetición. 

Eisenstein no sólo habló de montaje (aunque en su tiempo era el tema a tratar). Hizo también agudas reflexiones sobre la estructura y la composición del filme como totalidad. En el artículo “La estructura del filme” incluido en el texto “Teoría y técnica  cinematográfica” - que venimos comentando -, realizó un análisis de este tema comparándolo con las técnicas literarias y aplicado a su obra “El acorazado Potemkim”.

“No tocar, por favor” y “Feria”. Artium, Vitoria-Gasteiz. 18 de Mayo al 02 de Octubre de 2013. La primera comisariada por Jorge Luis Marzo y la segunda realizada por Iñaki Larrimbe con un tema común visto desde dos perspectivas: el museo y el usuario. Dos visiones desde el filósofo crítico y desde el artista. Una buena ocasión para conocer la ciudad con más zonas verdes del mundo y con una gastronomía a prueba de cualquier paladar. El urbanismo confortable también existe.

Toni se había hecho popular en los foros de twiter. Sus interesantes opiniones le habían hecho merecedor del T.T. (tal como el dice) en varias ocasiones. Su posición a favor de los padres con derechos en las separaciones le hacía ver las mujeres maltratadas como ventajistas jugadoras en contra de los pobres padres ninguneados. Y eso le llevó a afirmar, apasionadamente -como el dice-, que las estadísticas eran falsas y a confundir los dineros otorgados por la UE por otras causas a subvenciones cobradas por número (hinchado, naturalmente) de mujeres golpeadas. Como su jefa Rosa Diez no es amiga del cuerpo a cuerpo con la prensa (ella sabrá por que),-ha rechazado la invitación del intermedio reiteradamente durante años- ambos decidieron que se imponía una comparecencia en la Sexta noche para dar la cara. Se pactó que sería una entrevista neutra durante 30’’ y que los twitter no aparecerían hasta que el en-canto del chico hubiera calado en la audiencia.

HELLO MR HOCK, de Jordi Bernadó. La primera parte de la pieza transcurre con la pantalla en negro recogiendo la entrevista (?) con Ms. Hock: audio y subtítulos. Videoarte sin imagen. La segunda parte muestra una serie de “cuadros” en la biblioteca de Lloret en la que las figuras posan inmóviles, componiendo escenas del estilo de la fotografía compositiva. La cámara se desplaza en largos travelling laterales barriendo el espacio.  Cine sin movimiento, ni audio. Pero movimiento forzado porque las figuras de los cuadros fingen la inmovilidad. Hay movimiento en ellas pero en potencia, acallado. El sueño del fotógrafo: acabar con el movimiento. En ese caso la primera parte sería el sueño del iconoclasta: un mundo sin imágenes, sólo voces, sólo escritura (¿Monacal?). Inmersos en un mundo audiovisual nos olvidamos de los orígenes y de los componentes. El cine tiene dos canales de imágenes visuales: las imágenes propiamente dichas y los títulos y subtítulos, y tres canales de imágenes acústicas: música, palabras y ruidos. En total, cinco canales de los que dos tienen que ver con el verbo (la palabra) y que, por tanto, participan de los dos campos del enunciado. El peso del audio (y la palabra) en la fórmula “audiovisual” es más que significativa.

Continuamos VíDEO Y TEATRO 3 entrando en el vídeoarte.

Estos tres artículos de Eisenstein contienen multitud de ideas interesantes. Empecemos por la transición del teatro al cine. Solemos pensar que el cine irrumpió en el panorama como una ruptura sangrante que arrinconó al teatro al baúl de los recuerdos. Pero, según Eisenstein no fue así. Muchas de las especialidades del cine ya estaban siendo experimentadas en aquel teatro. El germen del montaje ya estaba allí. El descubrimiento del teatro Kabuki añade nuevos indicios. El teatro Kabuki utiliza el montaje en la composición, en la actuación, en la encadenación y en los cuadros. Tal como él nos dice: puro montaje. Por lo tanto el montaje no es algo que el cine inventa sino algo que el teatro y el Kabuki, ya habían experimentado. El contacto con la cultura japonesa intriga a Eisenstein que se adentra en ella para descubrir su escritura, su dibujo, su poesía, los retratos y máscaras, incluso el caso negativo del cine. Es una cultura que le fascina y de la que extrae enseñanzas para el montaje. 

PROYECTO: REALIZAR UN DOCUMENTAL EN COLECTIVO AUTORAL

TEMA: EL VIDEOARTE

CALENDARIO:

Grabación: El proyecto se iniciará el 1 de Mayo y se recibirán originales hasta el 31 de Agosto. 

Montaje: El montaje se realizará en el mes de Septiembre y se remitirá copia a todos los participantes. 

Comercialización: En Octubre empezará la comercialización. Los beneficios se repartirán trimestralmente. 

“Qué es el complejo del arte”. MACBA del 3 de abril al 15 de Mayo. Dilluns 6 de maig, a les 19.30 h. Moments culminants en el museu: de la crítica institucional a la contextualització de la producció. A càrrec de Peio Aguirre
L’obra d’Andrea Fraser Little Frank and His Carp (2001) s’emmarca en la crítica institucional i qüestiona la industria cultural a través de l’anomenat «efecte Bilbao» o «efecte Guggenheim». La sessió analitzarà el procés de gestació de l’obra, una performance enregistrada amb càmeres ocultes al Guggenheim de Bilbao, on l’artista «interactua» amb l’arquitectura de Frank Gehry. La visita a la sala es planteja com un recorregut per l’arquitectura del museu i com una reflexió sobre algunes de les raons per les quals aquesta obra entra a formar part de la Col·lecció MACBA. (Del programa)

“Qué es el complejo del arte”. MACBA del 3 de abril al 15 de Mayo. Dilluns 13 de maig, a les 19.30 h, Les paraules, les coses i la crisi de l’or: el cas de Broodthaers A càrrec de Joana Masó
Sovint la trajectòria artística de Marcel Broodthaers es presenta com una crítica sostinguda al museu en tant que generador de plusvàlua i d’especulació dins del mercat de l’art. És aquesta crítica la que intentarem llegir a la cruïlla de dues crisis: d’una banda, la crisi del referent pròpia de la modernitat literària francesa –que Broodthaers hereta de Mallarmé i Gide–; de l’altra, la crisi de la convertibilitat dels bitllets de banca en or durant les primeres dècades del segle XX i que prefigurarà la radical desregulació econòmica dels sistemes financers actuals. (del programa).

Tanto hablar sobre montaje cinematográfico era inevitable que acabáramos hablando del maestro Eisenstein. Para ello nada mejor que repasar su texto “Teoría y técnica cinematográficas”. Rialp. 2002 (1949). E. es un gran teórico y un gran erudito, lo que no hace fácil la comprensión de su pensamiento. Por otra parte uno de sus grandes textos, el que debía recoger todo su pensamiento “La no-indiferente naturaleza” (Union General d’editions, Paris, 1976) no se tradujo al español (que yo sepa), por lo que la totalidad de su pensamiento se nos escapa. Gracias a la introducción de Juan Jose Garcia-Noblejas parte de su ideario correspondiente a ese texto está a nuestro alcance. Entre uno y otro trataremos de aproximar su pensamiento al vídeoarte.